Le premier album de maTrigal, Between Homes, sort demain sur Svitzer Music : dix morceaux construits à partir de violoncelle, de guitare acoustique et de batterie qui, d’une manière ou d’une autre, continuent de sonner comme plus de trois instruments. J’ai révisé le dossier de ce magazine en juillet. Quelques semaines plus tard, j’ai appelé le trio pour parler de la façon dont ils sont arrivés ici.
Le violoncelliste Gottfried Tadashi Forck et le batteur-percussionniste Maximilian Wolfgang Schwarz étaient déjà étudiants à la Hochschule für Musik und Theater Rostock lorsque le guitariste Raphael Gamper est arrivé, « complètement nouveau », comme se souvient Tadashi – d’un petit village des montagnes du Tyrol du Sud, dans le nord de l’Italie, arrivant dans les plaines du nord de l’Allemagne. Cela semblait le laisser, selon les mots de Tadashi, « en quelque sorte à la recherche d’un nouveau type de foyer musical ». Il se trouve qu’aucun d’entre eux n’étudiait réellement le jazz : Max et Raphael se sont retrouvés ensemble dans un programme commun de pop et de musique du monde avec du classique, tandis que Tadashi s’est formé comme violoncelliste classique. Le premier mouvement de Raphaël était modeste : pouvait-il essayer quelques idées, avec un violoncelle et des percussions ? Ils ont aimé ce qu’ils ont entendu et les répétitions sont rapidement devenues un incontournable, des créneaux réguliers tout au long de la semaine et la majeure partie du week-end, interrompus par de longs déjeuners dans un restaurant vietnamien appelé Goldner Drache. Le Dragon d’Or. Je suppose que c’est de là que vient le titre du premier EP du groupe en 2019, Age of the Golden Dragon.
Après le séjour à Rostock, les trois se sont dispersés pour terminer leurs études séparément : Tadashi pour un master au Mozarteum de Salzbourg, Raphael à Dresde pour se concentrer sur la guitare acoustique, Max à Munich pour les percussions classiques, où il poursuit encore ses études de troisième cycle. Le nom du groupe, maTrigal, stylisé avec un T majuscule, fait un clin d’œil au madrigal, la forme vocale qui s’est séparée de la musique d’église il y a des siècles pour chanter des choses ordinaires et personnelles, quelle que soit la langue parlée par le chanteur. Tadashi aime cette connexion : trois personnes de trois pays différents, partageant de toute façon quelque chose comme une langue commune. Le T majuscule est aussi, sur le papier, la punchline : échangez-le contre un D et vous obtenez « trio », et les lettres épelent en plus leurs propres trois noms.
Demandez à l’un d’entre eux d’où est venue l’idée de mélanger des instruments acoustiques avec de l’électronique, et vous obtiendrez trois réponses différentes, car elle est venue de trois personnes différentes. Raphaël a apporté la fin « acoustique et organique » des choses, selon sa propre description, l’éducation à la ferme. Max a grandi avec la musique rock et s’est tourné vers l’électronique parallèlement à sa formation en percussions classiques. Le parcours de Tadashi a traversé le répertoire classique du violoncelle et, à un moment donné, des cours avec un violoncelliste de jazz, d’où probablement son talent pour le jeu pizzicato – et c’est l’un des meilleurs jeux pizzicato que j’ai entendus sur un disque comme celui-ci, si étroitement enfermé dans la guitare et la batterie que les trois instruments semblent lire sur le même système nerveux. La plupart de ce qui finit sur un disque de maTrigal commence comme un jam plutôt que comme un plan, m’a dit Raphael : quelqu’un apporte une idée et le groupe élabore ce qu’il veut devenir. L’exception sur Between Homes est « Dualities », que Max a écrit seul, du début à la fin, et qui porte à cause de cela un caractère sensiblement plus électronique sur le disque.
Il y a aussi une raison plus structurelle pour laquelle le son du trio tient. Le violoncelle et la guitare sont dans un registre similaire, donc sur un passage donné, l’un d’eux a tendance à porter la ligne de basse ou une figure mélodique tandis que l’autre tient l’harmonie, la batterie faisant double emploi en tant que section rythmique et troisième voix mélodique. Tadashi pense que la formation classique de Max s’est en conséquence répercutée sur sa batterie – moins une question de simplement garder le temps que de traiter le kit comme un ensemble de hauteurs avec lesquelles composer, ce qui, selon Tadashi, ouvre de nouvelles questions pour tous les trois, ensemble.
Lorsqu’on lui demande de résumer son propre son, le trio a une réponse prête, et elle est juste : musique du monde et jazz contemporain, mêlés à l’électro, au folk et à un ensemble de racines classiques clairement audibles. Je ne les mettrais pas sur une affiche lors d’un festival classique, mais je les mettrais volontiers sur presque n’importe quel festival contemporain et, en fin de compte, sur une piste de danse aussi. Max m’a dit que le groupe avait joué une machine à sous au festival de détection des classiques, au Schloss Bröllin, l’année dernière, et avait fait danser les gens sur des morceaux plus influencés par la batterie et la basse – le genre d’écriture groove-forward qui vient naturellement à un batteur qui, sur disque, joue presque comme un soliste de percussions accordées plutôt que comme un joueur de kit conventionnel. L’ensemble du trio, parfois, se lit comme un seul grand instrument rythmique auquel sont attachés différents bords mélodiques. Mais le même groupe a rempli une salle du Stadttheater Puccini à Merano et a laissé au moins un auditeur ailleurs. Tadashi se souvient que quelqu’un lui avait dit par la suite qu’ils étaient toujours allongés dans leur lit, à la dérive, quelques heures après la fin du concert. Il considère les deux côtés de cette idée comme une seule et même idée : le groove et le drift appartiennent à la même musique.
En live, un seul morceau de l’ensemble est dirigé vers une piste de clic : un numéro riche en programmes du premier EP où l’électronique est simplement une couche continue sous tout le reste. Tout le reste repose sur la répétition et la confiance plutôt que sur un métronome. Max conserve des pads d’échantillons intégrés dans son kit pour les one-shots, les couches, les textures et les drones, en particulier sur le morceau d’ouverture de l’album, « TGD4 », tandis que Raphael et Tadashi travaillent chacun sur leur propre pédalier, façonnant la guitare et le violoncelle en direct plutôt que de simplement les enregistrer directement.
Ils ont réalisé Between Homes presque entièrement en live, dans un studio appelé Watt Matters, dans la campagne près de Bielefeld, non loin d’Osnabrück, dans un vieux bâtiment en pierre avec une grande salle pour la batterie et deux pièces plus petites connectées de chaque côté, reliées par des fenêtres, afin qu’ils puissent tous les trois se voir pendant qu’ils jouaient. La plupart des pistes gardaient une piste de clic en dessous ; les morceaux plus acoustiques, comme « Balafon » et la chanson titre, ne l’ont pas fait. Mis à part quelques overdubs de percussions et quelques parties de guitare supplémentaires, ce qui est sur le disque est proche de ce qui s’est passé dans cette pièce. Ils l’ont réalisé de manière entièrement indépendante, sans qu’aucun label ne soit impliqué jusqu’à ce que le tout soit terminé, avant de signer avec Edition Svitzer, la branche d’édition du label de Copenhague Svitzer Music, qui a sorti le disque. Max connaissait déjà le label grâce à son propre travail de percussions classiques.
La suite, pour leur propre compte, est à peu près la même, juste plus loin. Ils ont joué dans la ville natale de Raphaël en Italie, dans des villes d’Allemagne et de France, et ils espèrent qu’un album complet, plutôt que deux EP, leur ouvrira plus de portes que ce qu’ils ont eu jusqu’à présent. Je leur ai dit que j’aimerais les voir aux Pays-Bas. Le Bimhuis, le TivoliVredenburg, le LantarenVenster à Rotterdam conviendraient tous bien à cette musique, et ils semblaient sincèrement enthousiastes. Il y a déjà de nouvelles chansons qui prennent forme, m’a dit le groupe, avec un demi-œil sur un deuxième album, avant même que celui-ci n’ait vraiment atterri.
J’ai finalement demandé ce qu’ils voulaient qu’un lecteur venant à froid en retienne ce disque. La réponse de Tadashi fut la plus simple de toute la conversation : la curiosité. Pas un autre trio avec piano, dit-il, quelque chose de plus proche d’un point d’interrogation, une configuration d’instruments que les gens ne s’attendent pas à entendre ensemble et qui s’avère efficace. Ce qu’il entend le plus, après les concerts, ce sont des gens qui lui disent qu’ils ne savaient pas qu’un violoncelle pouvait sonner comme ça, dans une pièce comme celle-ci. Briser cette attente, pour lui, est tout l’enjeu. « Comme cela peut être polyvalent », a-t-il déclaré. « Comme ça peut être groovy. »
