Ayanna Witter-Johnson, auteure-compositrice-interprète, violoncelliste, compositrice et nominée pour le MOBO, a conquis le monde depuis son premier album en 2019, Road Runner. Un artiste étonnant. Il y a quelque chose de si magnifiquement électrisant chez Ayanna, une énergie qui se dégage de tout ce qu’elle fait. Elle incarne une profondeur d’émotion rarement vue et apporte la vérité des expériences au public d’une manière passionnante, puissante et accessible.
Conteuse inspirante, Ayanna maîtrise parfaitement l’utilisation de la musique non seulement pour raconter ses propres histoires, mais aussi pour raconter la profondeur de l’expérience des communautés du monde entier. Ayant grandi dans une communauté de créativité, sa mère était danseuse dans la troupe de danse ghanéenne, Aguje et Ayanna étaient entourées de danse, de lectures de poésie et de la joie d’un espace artistique partagé.
La narration est définitivement une partie de mon langage que j’ai pu étiqueter de cette manière au fur et à mesure que j’écrivais différents types de musique, composés, différents types de suites, chansons, compositions. Je peux en quelque sorte faire un zoom arrière et dire, oui, j’ai vraiment intérêt à partager des histoires. En partie parce que mon héritage jamaïcain comporte beaucoup de narrations – dans la musique folklorique, la poésie, les rassemblements et le partage d’histoires et même dans votre propre famille. Je pense que j’ai grandi avec un langage qui apprécie l’art de la narration. Cela me donne l’impression d’être dans une communauté avec des gens.
Jouer en live est ce que je préfère dans tout cela et donc, quand je suis dans la salle et que je suis avec un public en direct et que je partage des histoires, même en parlant entre les chansons ainsi qu’au sein des chansons elles-mêmes, j’ai l’impression de construire un lien entre nous et un espace partagé. Je l’apprécie simplement. Je pense que nous prenons tous quelque chose. Je n’essaie pas de dicter ce que chacun devrait retenir des histoires, mais je pense qu’il y a toujours une croissance et un apprentissage. Et je pense que plus que tout, la croissance est probablement ma plus grande passion.
Travaillant dans une gamme de genres et créant un son unique et authentique, Ayanna donne vie à tout ce qu’elle fait grâce à sa boîte à outils virtuose – violoncelliste, compositeur, auteur-compositeur-interprète, interprète. Naviguant dans les différents mondes des compositions instrumentales classiques aux chansons axées sur les paroles, Ayanna ressent et réagit aux différences et aux similitudes.
C’est fascinant parce que je suis encore en train de comprendre comment et où ces deux mondes se rencontrent. Je pense que ce qui m’a le plus rapproché a été de travailler avec le LSO Percussion Ensemble sur Ocean Floor, où la narration et la composition, et la voix et non la voix, sont toutes côte à côte dans ce seul projet. Je pense que je dois m’accrocher à plus que le récit de l’histoire au sens large lorsque je travaille sur une composition, je dois vraiment être à l’intérieur presque du visuel de celle-ci – où nous allons, quel est le voyage – afin de savoir comment la façonner. Je pense que lorsque vous avez des mots, il est facile d’y associer une émotion et de permettre à la mélodie de l’exprimer en quelque sorte. Mais sans les mots pour donner cette clarté, je dois me créer un monde. Parfois, visuellement, je peux dessiner la direction du voyage, ou je peux avoir des personnages, ou je peux avoir différents mouvements qui exprimeront différentes choses. Mais ça change définitivement. Et selon l’instrument avec lequel vous travaillez, la manière dont la mélodie s’exprime. Donc, vous pouvez en quelque sorte vivre dans un pays où vous ne savez pas comment traduire ces émotions lorsque vous n’y ajoutez pas de paroles. Il existe un autre type de liberté. Je pense que dans les espaces classiques, il y a souvent une note de programme, et il est tellement encouragé de la lire que les gens les lisent et s’y accrochent. Donc, je pense qu’il y a souvent une légère idée d’où je viens, au moins. Mais cela ne veut pas dire que le public ne l’emmène pas où il veut, ce qui est également très bien pour moi.
Ayanna prend vraiment vie dans un cadre de performance live et la relation qu’elle entretient avec son public est palpable. Indépendamment du genre ou du décor, Ayanna trouve le point commun et forme un lien indissoluble avec les gens.
Je pense que partout, il y a une écoute active, je dirais. Les gens sont vraiment à l’écoute, qu’ils s’expriment ou non ou qu’ils soient plus silencieux et ils laissent cela les envahir. Ils écoutent vraiment, et je le ressens. Et je comprends cela parce que je parle au public entre les choses, et je suis toujours frappé par l’ouverture émotionnelle des gens après le spectacle. Peu importe où je me produis, j’aurai toujours une conversation profonde avec quelqu’un au stand de vente ou à côté de la scène lorsque je ferai mes valises, ou ils exprimeront quelque chose en termes d’émotions et de sentiments à mi-spectacle lorsque je parle au public. Donc, j’ai l’impression que, d’une manière agréable, je me connecte simplement avec l’humanité de quiconque est dans la pièce, quelle que soit la culture qui l’entoure.
Avant de sortir son album New Roots le 18 septembreèmenous avons reçu deux singles – « Pioneers » et « You Can Have Everything ». À travers « Vous pouvez tout avoir », Ayanna nous dit que nous pouvons effectivement tout avoir.
Je sais, c’est controversé. Je pense que c’était une façon de résister à cette période où tout était confiné et où tout était enlevé et dépouillé et où nous avions tous ce sentiment de manque de liberté, d’incertitude et de peur. Et oui, on peut tout avoir, du moins on peut l’imaginer. « You Can Have Everything » ne ressemble à rien de l’album. C’est ma chanson joker, plutôt amusante, légèrement effrayante. Je voulais revenir sur scène avec quelque chose de juste frais et différent, et quelque chose que l’on puisse ressentir dans son corps. Il était vraiment important que la musique soit dansante dans ce chapitre et qu’elle dégage un sentiment de joie. C’était comme un risque, mais c’est un risque que je voulais prendre. Faire la vidéo était en quelque sorte l’incarnation du oui, c’est une musique qui se ressent dans votre corps à tous les niveaux – et c’est amusant.
À l’opposé, le puissant deuxième single sorti, « Pioneers », aborde le plagiat de la culture noire, cycles d’extraction, d’effacement et de résilience, tout en affirmant pour moi le rôle fondateur des cultures africaines dans la formation du monde tel que nous le connaissons aujourd’hui. Intensité, beauté et lumière – tout cela fait partie du talent artistique d’Ayanna.
C’est l’un de mes préférés sur l’album. Cela a commencé lorsque la ligne de basse m’est venue il y a quelques années, alors que j’étais en tournée avec Andrea Bocelli. Je l’ai élargi et créé la chanson, une version légèrement plus classique pour Ocean Floor avec l’ensemble de percussions LSO. Mais j’ai toujours eu l’impression que c’était une chanson à part entière. Je voulais produire une version plus proche de ce que j’avais imaginé au départ. C’est complet, percutant, directement au cœur de la culture noire et de l’exploitation de l’art noir au fil des ans. Et c’est tellement audacieux au niveau des paroles. Il y a une franchise, mais en même temps, c’est une observation et cela ne dit pas ce que je veux que vous en pensiez, cela place la conversation dans la pièce et dit simplement, voilà.
Comment se fait-il qu’on continue à donner, à donner, à donner, ouais
Tout ce que nous faisons devient une tendance que vous continuez à voler, ouais.
La vie a commencé avec nous, on s’harmonise, on fait confiance, on vit en paix ensemble
Tout au long de son travail, Ayanna parle de ce qui doit être entendu, exploré et pris en compte. C’est l’une des nombreuses façons dont elle se connecte avec son public, une voix authentique, laissant un espace de réflexion et de conversation et, surtout, d’émotion.
C’est quelque chose que j’ai toujours fait. J’ai tendance à vouloir mettre en place une conversation difficile dans l’espace, mais aussi d’une manière belle, de manière à ce que les gens puissent en profiter à différents niveaux. Une de mes chansons précédentes, « Black Panther », est comme ça. Cela ressemble à une chanson d’amour, mais c’est assez hardcore. J’aime que les gens puissent recevoir des choses à différents niveaux. C’est presque comme de la musique de protestation, mais sans cris. C’est une façon d’avoir ou d’entamer une conversation d’une manière qui fait du bien.
Sortie le 19 septembreèmele prochain album New Roots, est le deuxième album d’Ayanna. Écrit principalement pendant le confinement, c’est un album de réflexion avec des thèmes qui alimentent Ayanna et son violoncelle Reuben, qui a été une « force de base » tout au long du processus.
Vous pouvez vous attendre à plus d’intimité, plus d’émotions. C’est comme un voyage cosmique, émotionnel, révélateur, encourageant, édifiant et guérisseur. C’est vraiment brut. J’étais en train de traiter beaucoup de choses parce que beaucoup de choses ont changé pour moi dans ma carrière depuis le début du confinement jusqu’à aujourd’hui, il y a eu comme un boom d’activité dans tous les domaines : composition, performance et tournée avec Peter Gabriel, tournée avec Andrea Bocelli, collaboration à nouveau avec Anoushka Shankar. Il y avait tellement de choses différentes et j’ai sorti mes propres EP. Je pense que beaucoup de ces chansons m’ont permis de traiter beaucoup de grands sentiments et de changements au cours de cette période. J’en suis vraiment fier. J’ai produit mon premier album du début à la fin. J’ai eu une idée, et elle va bientôt être entre mes mains au format vinyle et au format CD. Je suis tout aussi fier du chemin parcouru jusqu’à présent, ainsi que des chansons elles-mêmes. Je pense que si vous vous promettez de vouloir réaliser quelque chose, de publier quelque chose ou de faire quelque chose, et que vous le faites réellement, cela en soi est déjà un accomplissement.
Avec des dates prévues dans le monde entier, notamment en Bulgarie, à Londres, en Italie, en Pologne et aux Pays-Bas. Ayanna ne s’arrête pas et connaît les défis d’être artiste dans le monde d’aujourd’hui.
J’ai tellement de défis à relever mais en même temps, je me sens tellement béni. J’ai eu et je continue d’avoir de merveilleuses expériences, des rencontres avec de belles personnes, de belles performances. C’est juste beaucoup mais évidemment, je suis heureux de faire le travail. Certains jours, je me réveille et je dois me dépasser, et d’autres jours, c’est plus facile. Mais c’est ça. Dans n’importe quel domaine, vous allez travailler dur. Il faut se mettre au centre des choses. C’est révélateur, je suppose, c’est à tous les niveaux, exigeant physiquement, émotionnellement exigeant. Vous avez toutes vos vulnérabilités à la disposition du public et parfois je me demande pourquoi je fais ça ? Mais Je suis très intéressé par ma vie spirituelle.
Je ne suis pas religieux, mais je crois définitivement en une sorte de puissance supérieure. Je pense vraiment que nous sommes tous égaux à cet égard. Donc si je joue, je suis égal à tout le monde, et tout le monde est égal à moi. Il y a donc ce sentiment de respect partagé que j’ai pour le public. Donc, je suis toujours honoré si je joue et que cela résonne avec quelqu’un, et nous avons une vraie connexion et garder cela réel avec les gens dans la vie est la chose la plus importante. Qui que vous soyez, où que vous soyez, peu importe qui vous êtes, où que vous soyez. Je recherche toujours l’honnêteté dans cette interaction. Et donc j’essaie juste de garder les pieds sur terre. Honnêtement, je n’adhère à aucune sorte d’inflation de l’ego.
Il est encore assez rare de voir une violoncelliste au premier plan, et le caractère global du travail d’Ayanna lui permet de partager son travail avec des publics très divers à travers le monde. Avec de nombreuses distinctions et un programme de bourses à son nom (la bourse Ayanna Witter-Johnson Rising Star), Ayanna est un modèle pour beaucoup.
Il ne peut jamais y avoir trop de personnes positives dans la vie à admirer et à inspirer. Et si cela signifie que vous suivez votre chemin et votre propre voyage, et que vous pouvez apprendre quelque chose de moi ou prendre quelque chose de moi, je suis tout à fait d’accord. J’adore ça. Je pense qu’en mettant les gens sur un piédestal, la frontière est mince entre se sentir inspiré et idolâtrer, mais je pense que nous avons tous besoin de nous sentir inspirés. Si vous vous sentez assez courageux pour leur tendre la main et leur demander de l’aide, c’est merveilleux. Alors oui, je prends ça avec plaisir.
Pour moi, l’authenticité est probablement l’un des aspects les plus importants de votre histoire de l’art. Il y a une place pour apprendre des grands et d’autres musiciens et perfectionner votre art et j’ai passé pas mal d’heures à écouter Dinah Washington, Nina et tout le monde. Mais en termes d’expression personnelle, dans votre propre talent artistique, vous devez être assez courageux pour explorer, partager, adopter et développer votre propre son et savoir que c’est en quelque sorte la beauté de tout le voyage, car il n’y a qu’un seul d’entre vous. Profitez de ce chemin qui consiste à embrasser qui vous êtes et cela peut changer. Cela ne reste pas pareil, mais c’est aussi la joie pour le public de vous expérimenter tel que vous êtes. Il existe de nombreuses façons de le faire et, plus que jamais, il est plus facile de s’enregistrer. Il est probablement plus facile que jamais de sortir de la musique. Vous n’êtes pas obligé de vous lancer sur le ring tout de suite, mais votre parcours, documenter votre voix et permettre aux gens de vous entendre : je pense que c’est vraiment important.
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Cet article a été publié pour la première fois dans le magazine Women in Jazz Media de juillet 2026.
