Jim Hart n'a jamais été du genre à rester assis, musicalement ou autrement. Qu'il soit derrière un vibraphone, un kit de batterie ou un piano, il a toujours été attiré par les bords de ce qui est possible, curieux de savoir ce qui se passe lorsque vous brouillez les frontières – entre les genres, entre la composition et l'improvisation, entre les mondes acoustiques et électroniques. Assis pour parler de son voyage, de son groupe The CloudMakers Trio, et de leur dernier album A Drop of Hope in the Ocean of Incertainy, la conversation de Hart est aussi ouverte et exploratoire que sa musique.
Lorsque j'ai interrogé Jim sur les débuts du trio Cloudmakers, sa réponse était rafraîchissante et simple. « Tout a commencé avec Dave Smith, vraiment. Nous étions des colocataires pendant près d'une décennie au début des années 2000, jouant constamment ensemble. Dave était déjà dans mon ancien groupe, Gemini, nous avons donc eu cette sténographie. » La troisième pièce du puzzle était le bassiste Michael Janisch, qui est arrivé à Londres au moment où Jim et Dave cherchaient de nouveaux défis musicaux.
«Michael organisait ces concerts avec des invités internationaux – il avait rassemblé des sections de rythme, et Dave, Michael et moi sommes devenus le trio de la maison pendant un certain temps. Nous avons joué avec des musiciens fantastiques, comme Yuri Pukl et Ralph Alessi. Le concert avec Ralph en fait une tournée, et nous avons enregistré ces soirs, qui est devenu notre premier album en tant que groupe.»
En entendant l'histoire d'origine de Cloudmakers, ce qui m'a frappé, c'est à quel point la formation du trio était organique. Il n'y avait pas de grand plan – juste trois musiciens qui ont cliqué, répétant et jouant ensemble jusqu'à ce que la chimie devienne indéniable. Jim a continué: «J'ai réalisé que c'était la direction que je voulais prendre pour mon prochain projet. À l'époque, la scène du jazz était saturée de trios de piano, mais les trios de vibraphone étaient rares. C'était comme un format inexploité, alors j'ai pensé, pourquoi ne pas me défier?»
Ce sentiment de défi et de curiosité a propulsé depuis. Après le projet Ralph Alessi, ils ont publié certains des enregistrements en direct en tant que disque, et les choses ont décollé de là. «Nous nous sommes également étendus à des formations plus importantes comme les quatuors et les quintets. C'était en 2010, donc cela fait environ 14 ou 15 ans maintenant. Cela a été tout un voyage.»
La collaboration est au cœur du travail de Jim, et le nouveau Cloudmakers Record, une goutte d'espoir dans l'océan de l'incertitude, ne fait pas exception. « Après avoir mené sur le vibraphone en tant qu'instrument harmonique central pendant un certain temps, je voulais revisiter l'ajout d'un piano. J'ai déjà joué avec de grands pianistes – comme Ivo Neame, qui est fantastique – mais j'étais prêt à explorer à nouveau ce monde sonore avec les Cloudmakers. »
La question était: qui? Au cours des dernières années, Jim avait joué à plusieurs reprises au Festival de Bezau Beatz en Autriche, en croyant toujours avec Leo Genovese. «Chaque fois, Leo était là aussi. Nous avons appris à se connaître et j'ai suivi de près sa musique.
C'est le genre d'histoire qui n'est possible que dans le jazz: deux musiciens en orbite autour des mêmes festivals, se connectant enfin au bon moment. «La première fois que j'ai joué à Bezau Beatz, c'était avec des calibés, et Leo était là. Il aimait ce que nous faisions, et je ressentais la même chose à propos de sa musique. Quand j'ai entendu son trio cette année-là, il a juste cliqué. Écrire de la musique pour lui était inspirant, et c'était comme un ajustement parfait.»
J'étais curieux du défi de l'écriture pour le piano et le vibraphone – deux instruments qui peuvent facilement se presser harmoniquement. Jim était candide: «C'était une considération majeure. Je voulais partager les rôles harmoniques et mélodiques également entre le vibraphone et le piano, presque comme combiner un trio de piano et un trio de vibrhone en un« trio quatuor ». Les deux instruments seraient des voix principales, jouant des mélodies et de l'harmonie. »
Il a décrit des pièces d'écriture où les instruments doublaient des mélodies ou exploreraient différents voix, étendant parfois la plage harmonique par des pièces qui se chevauchent. «Le vibraphone est limité à quatre notes à la fois, donc avoir le complément de piano ou réduire son rôle a parfois créé des textures intéressantes. Par exemple, le piano pourrait jouer seulement trois ou quatre notes pour doubler ce que le vibraphone faisait.
Les compétences de Leo sur les synthés ont également été un facteur. « C'est un clavier incroyable, donc je voulais incorporer ses compétences sur des synthétiseurs comme le Prophète 6 sur certaines pistes. Mike Janisch a joué des basses électriques, que nous n'avions pas utilisées auparavant avec CloudMakers, et Dave Smith a utilisé des boucles et des effets en direct sur les tambours. Donc, l'album était une opportunité d'explorer les électroniques et d'étendre notre palette son. »
Une chose qui m'a immédiatement frappé à propos du nouvel album, c'est à quel point il se déplace de manière transparente entre le matériel composé et improvisé. J'ai demandé à Jim si c'était un objectif conscient. « Oui, certainement. Parce que Leo est basé à New York et a un horaire chargé, nous savions que les répétitions seraient limitées. La musique que j'écris n'est pas nécessairement complexe pour la complexité, mais c'est comme ça que je l'entends – une architecture avec des idées simples. »
Le processus était méthodique: «Mike, Dave et moi avons répété et a travaillé la musique largement avant d'envoyer des enregistrements à Leo. Nous avons ensuite eu une répétition de trois heures avec lui la nuit avant l'enregistrement. Leo est incroyablement préparé et a immédiatement cette capacité incroyable.»
Jim a cité le dernier quatuor de Wayne Shorter comme influence clé. « Ce groupe a brouillé les lignes entre la composition et l'improvisation d'une manière qui a profondément résonné avec moi. La connexion de Leo avec Wayne Shorter a également inspiré une partie du matériel. »
En écoutant le disque, il est clair que Leo ne ressemble pas à un invité – il ressemble à une extension du groupe. J'ai mis cela à Jim et il a accepté. « Leo s'intègre si naturellement dans la musique que ce n'est vraiment que le trio Cloudmakers grossit. Il a cette qualité de caméléon – il joue toujours ce dont la musique a besoin. Cette polyvalence est une force énorme. Il n'impose pas un` `son Leo '', mais améliore le son du groupe, ce qui le rend plus riche et plus étendu. »
Le nouvel album présente plus d'électronique que les sorties précédentes CloudMakers, et j'étais curieux de savoir à quel point c'était délibéré. «C'était définitivement intentionnel. Dès le début du processus d'écriture, j'avais à l'esprit certains morceaux qui bénéficieraient des synthés, des basses électriques et du traitement en direct à la batterie. J'ai également utilisé des préparations acoustiques sur le vibraphone.»
Jim était clair que l'électronique n'était pas seulement pour le spectacle – ils étaient intégrés dans les compositions à partir de zéro. «Les basses électriques et les pédales de Mike, le traitement en direct de Dave et les synthétiseurs de Leo comme le Prophète 6 ont tous contribué à étendre notre paysage sonore. Les compositions ont été façonnées avec ces sons à l'esprit. C'était amusant de pousser plus loin dans ce territoire.»
Et malgré la technologie, l'album est un document de performance live. « Tout sur l'album est joué en direct, avec très peu de trop.
J'ai toujours été fasciné par la dynamique interne des groupes, en particulier ceux qui ont des leaders forts. J'ai demandé à Jim à quel point était collaboratif Cloudmakers. «C'est principalement mon projet. La musique est surtout la mienne. Mais Mike et Dave sont incroyablement favorables et contribuent des idées qui aident à façonner le travail. Michael Janisch, qui gère notre label, joue également un grand rôle dans les coulisses. Bien que ce soit mon groupe et mon groupe, c'est un effort collectif en termes de performances et d'évolution du son.»
L'origine musicale de Jim est aussi riche que son jeu le suggère. «J'ai grandi à Cornwall, dans le sud-ouest du Royaume-Uni, dans une famille très musicale. J'ai eu la chance d'avoir d'excellents professeurs de musique dès mon plus jeune âge. J'ai commencé des cours de percussion avec Russell Davis quand j'avais environ cinq ans, et j'ai simultanément commencé des leçons de piano avec Cecil Duval, qui était de Philadelphia et avait été un musicien de session touristique pour des artistes comme Teddy Pendergrass.»
Il attribue à sa famille de favoriser un amour de la musique. « Mon frère aîné est un trompettiste, et son professeur était un musicien de jazz, donc il y avait beaucoup de jazz dans la maison. Mon père dirige des chorales et est intervenu pour diriger le Big Band local après le décès du leader précédent. Ma mère a même pris saxophone pour y jouer. Donc, la musique a fait partie de notre vie familiale. »
Ses études officielles l'ont emmené à l'école de musique de Chetham à Manchester, puis à Guildhall à Londres, bien qu'il soit parti avant de terminer pour poursuivre des concerts. «J'ai joué du piano, de la batterie et des percussions de maillet dans divers contextes, mais je ne jouais pas beaucoup à Jazz Vibes à l'époque. Ce sont des amis comme Gwilym Simcock et Gareth Le Crane qui m'ont encouragé à me concentrer sur le vibraphone, disant qu'il n'y avait pas beaucoup de joueurs de vibrations autour et je devrais le poursuivre. Ce conseil est vraiment coincé avec moi.»
En tant que personne qui a passé des années à cheval sur différents rôles musicaux, je tenais à entendre comment Jim se voit. «C'est une excellente question, et honnêtement, je pense que« percussionniste »est un bon terme parapluie pour moi, car il couvre à la fois des vibrations et des tambours. Mais, pour être plus précis, je me considère vraiment comme un batteur et un joueur de vibraphone.
Il a parlé de l'inspiration qu'il obtient en travaillant avec d'autres batteurs et vibraphonistes, et comment la commutation entre les instruments maintient les choses fraîches. « Chaque fois que je suis occupé sur un seul instrument, je me retrouve à pratiquer l'autre. Si je donne beaucoup de tambours, je passerai mon temps de pratique sur les vibrations, et vice versa. C'est une excellente façon de garder les choses fraîches – un changement d'espace de tête et une nouvelle perspective musicale à chaque fois.
Jim joue également Marimba, bien que moins souvent en direct. « Je joue aussi Marimba. J'en ai un à la maison et je le joue de temps en temps. Quand j'étais avec le groupe de Marius Neset pendant environ dix ans, j'ai joué beaucoup de Marimba ainsi que des vibrations. Je joue toujours à Marimba à la maison, mais je n'ai pas tendance à s'y rendre très souvent.
Il est honnête au sujet des limites de l'instrument de son travail en direct. « Musicalement, je trouve aussi le Marimba quelque peu restrictif dans certains contextes. Si je vais jouer Marimba sur un concert, je voudrais généralement un vibraphone là-bas aussi.
En ce qui concerne l'électronique, l'approche de Jim est pragmatique. « Pas vraiment, du moins pas dans la façon dont certaines personnes le font. J'avais un système de ramassage sur mes vibrations, que je traverserais des pédales d'effets. De nos jours, j'utilise des microphones de contact et je les exécute à travers quelques pédales, mais j'essaie de garder les choses assez analogiques. »
Il admire les musiciens qui plongent profondément dans l'électronique: «Je travaille en étroite collaboration avec Petter Eldh, et j'adore son travail de production. Je suis aussi vraiment dans des artistes comme Flying Lotus. En fait, quelques morceaux sur les derniers armakers enregistrés sont indirectement influencés par Flying Lotus. Mais honnêtement, il y a des gens qui font ce genre de chose extrêmement bien, et gardant mes vibrations et mes rabatteurs qui ne font pas beaucoup de choses. mince. » Mais il n'éclate rien. « Parfois, j'imagine que la gestion de mes micros dans Ableton et le traitement des choses en direct. J'ai des idées pour un projet solo qui pourrait explorer ce territoire, peut-être que la prochaine fois qu'il y a une grande pause – comme, je ne sais pas, la prochaine pandémie! Mais en ce moment, j'ai beaucoup dans mon assiette avec l'écriture et la performance. »
Ce que j'ai enlevé de ma conversation avec Jim Hart était un sentiment de mouvement perpétuel – un musicien toujours à la recherche, toujours en question, toujours curieux. Qu'il dirige des créneurs de cloud, collaborant avec de nouvelles voix ou imaginez le prochain projet, l'approche de Jim est enracinée dans l'ouverture, la rigueur et un véritable amour pour le métier. C'est un rappel que le meilleur jazz n'est jamais statique, et les meilleurs musiciens n'arrêtent jamais d'apprendre.
