Originaire de Suède, Vidya est une artiste et compositrice intuitive, qui s'intéresse aux processus qui se déroulent dans son corps, son esprit et son âme. Pour son dernier album Adi Shakti, Vidya a fouillé profondément dans son passé et son présent, explorant son passé adoptif ainsi que la perte de sa mère. C'est un disque incroyablement émouvant et émouvant, qui raconte l'histoire de Vidya à travers des compositions et des arrangements éclectiques. En discutant avec elle, nous avons exploré ces thèmes plus en détail, ainsi que ce qu'elle a fait au cours de la dernière année depuis la sortie des albums…
Peux-tu m’en dire un peu plus à ce sujet, sur le sujet qui a inspiré l’album et sur tous ces thèmes qui l’entourent ?
Je suppose que je dois commencer par le dernier album, The Papillon, qui parle du désir, de la recherche, de la découverte et, finalement, de la perte de ma mère biologique. Je l'ai trouvée en 2017, je crois. Et quand j'en suis devenu heureux, elle a disparu. Je veux dire, elle était partie. Et j'ai fait cet album The Papillion, qui est sorti en 2022. Puis j'ai appris que ma mère, ici en Suède, était malade, atteinte d'un cancer, alors je me demandais : est-ce que je devais continuer ou que faire ? Parce qu'il fallait prendre soin d'elle, mais tout allait plutôt bien. Elle allait plutôt bien, tu sais, même si elle était malade. J'ai pu faire l'album. Et je crois que c'était deux mois après la sortie de l'album, elle est morte. Ça s'est passé très vite. J'ai ce poème de Rumi, un poète persan. J'ai un livre avec les poèmes de Rumi. Je l'ai acheté quand je travaillais dans une librairie quand j'étais plus jeune, dans la vingtaine, et j'adore ce livre. J'adore ce poème :
« Au-delà des idées de bien et de mal, il y a un champ, je vous y retrouverai. »
Au cours de ma vie, j'ai toujours cherché un espace et un lieu qui me soient propres. Quand on vient d'un milieu d'adoption, on est ici parce que quelqu'un d'autre vous a dit qu'on voulait que vous soyez ici. C'était donc important pour moi, et cela a toujours été important pour moi, de trouver mon propre espace. Et puis la musique a commencé à venir du poème et j'ai appris à connaître le guitariste Rob Luft grâce à mon batteur Jon Fält. En fait, j'étais à Londres, alors que je faisais un petit concert après la sortie de « The Papillon », quand j'ai reçu un appel pour jouer avec Rob. J'aime quand les gens introduisent rapidement de nouvelles choses. C'est comme de l'improvisation, et on ne sait pas ce qui va se passer. Une fois que j'ai travaillé sur quelque chose pendant longtemps, j'aime le faire bouger et le rendre moins rigide. Je ne savais pas qui était Rob et il est venu à ce concert de lancement à Stockholm pour jouer avec nous. Il semblait vraiment, vraiment aimer ma musique. Et puis je me suis dit, ok, peut-être qu'il est temps de demander à co-composer avec quelqu'un, ce que je n'ai jamais fait auparavant. Peut-être que j'oserai lui demander, peut-être qu'il dira oui. Je suis allé à Londres, avec ce poème en moi. J'ai obtenu un financement et tout a commencé à se mettre en place.
Nous avons fait ces deux chansons, Le terrain et Blues du désertsur l'album et la coopération était vraiment sympa. J'étais là et je ne le connaissais pas très bien. Et la première chose que j'ai dit, c'était, ok, c'est arrivé, à propos de ma mère. Mais ensuite j'ai dit, « J'ai ce poème que je veux composer. Et je pense que c'est ce qui va se passer maintenant avec toute ma musique ». Il y a eu un silence complet dans la pièce, et il a vraiment pris note de ce que j'ai dit. Puis nous avons commencé à jouer et Le terrain est arrivé. Je connais certains mantras, car je fais du yoga et j'enseigne aussi le yoga. Avec le mantra Adi Shakti, j'avais fait une chanson et j'avais fait cette chanson plus tôt pour un cours de yoga. Et j'ai réalisé que ces deux-là s'accordaient vraiment bien, avec l'état d'esprit dans lequel je suis et ce que je veux dire. C'était vraiment bien d'appeler l'album Adi Shakti, j'ai vraiment adoré. De plus, je suis d'origine indienne, c'était logique.
Comment avez-vous intégré ce poème ? De quelle manière ? Était-ce musical ou lyrique ? Avez-vous utilisé des vers réels du poème ? Était-ce juste une impression de ce dont parlait le poème ?
Oh, bonne question. Tout ça, je dirais. La chanson qui s'appelle 'The Field' est clairement une phrase, mais ce n'est pas comme si j'avais décidé ça, c'est venu comme ça. Il y a un endroit où je veux aller avec mon cœur solitaire, avec mon amour de femme, au No More. Et pour moi, le No More signifie un endroit où il ne se passe rien d'autre. C'est ainsi que j'interprète l'essence du poème. Et c'est vraiment l'essence du poème qui m'a donné envie de faire cet album et d'explorer. Je pense que les gens peuvent penser que mes chansons sont poétiques, mais pour moi, elles sont plus pertinentes. Elles sont assez structurées. Mais quand on met tout cela ensemble, avec la musique, et qu'on commence à parler un peu au lieu de chanter, cela devient un poème. Donc, mon cœur solitaire, mon amour pour une femme. Pour moi, ce sont deux choses que j'ai besoin d'exprimer. Je suis assez analytique d'une certaine manière, les gens ne pensent pas vraiment à ça, ils se laissent emporter, peut-être par la musique. Mais au fond, je suis vraiment une personne qui a besoin de clarifier les choses de manière assez directe. Mais la musique qui l'entoure le rend un peu plus flottant.
Comment décririez-vous votre style musical ? Quels mots utiliseriez-vous pour le décrire ?
Je n’y pense pas vraiment. C’est quelque chose à laquelle je devais réfléchir. Parce que les autres vous classent par catégories. Pour mon premier album, j’ai écrit des critiques pour le plus grand journal suédois. Et ils disaient : « Oh, elle sonne comme… Et ce son est blah, blah, blah. » Et je n’avais jamais entendu parler de ces gens. Donc, je n’y pense pas vraiment. Mais ce à quoi je pense, c’est que j’ai besoin d’être libre. C’est vraiment important pour moi d’être libre. Et je pense que l’improvisation est une façon d’être libre. Et c’est pour ça que je fais du jazz. Mais c’est parce que les gens du jazz parlent d’improvisation.
Utilisez-vous des éléments musicaux de votre héritage indien dans votre musique ? Aimez-vous les combiner ?
Je pense que cela se produit naturellement. Je n'y pense pas. En fait, je me demande qui je suis, d'où je viens. Je n'ai pas d'origine, je suis encore en train d'explorer et de réaliser que je suis indien, en Suède. J'ai besoin de mélanger les deux d'une manière qui me convienne. Je suppose que c'est ce que je fais.
Utilisez-vous des caractéristiques de la musique suédoise ?
Je suis une personne suédoise cultivée. Et j'écoute de la musique suédoise. J'ai grandi en Suède avec la musique suédoise. Et évidemment, cela m'a influencé de plusieurs manières. Mais je me suis toujours éloigné de la musique suédoise, principalement pour trouver quelque chose qui m'appartient. Je pense que tout est imprégné de cette musique.
Comment s'est déroulé le processus de production d'une partie de l'album ? En parallèle du processus de composition ?
Tout d’abord, lorsque je compose une chanson, je le fais à partir d’une vibration. Et cette vibration peut être évoquée par un rêve ou par quelque chose de physique. Ensuite, je commence à chanter et la résonance rencontre mes sentiments qui ont besoin d’être là, dans l’instant présent. Ensuite, je peux rester dans cet état pendant un long moment, en chantant les mêmes notes ou la même phrase, et avec cela viennent d’autres éléments : différentes harmonies, ou juste un sentiment ou une énergie. J'ai présenté les chansons aux musiciens en leur envoyant un mp3, dans lequel je chantais et jouais au piano. Ensuite, cela changeait bien sûr, mais juste pour qu'ils puissent comprendre. Et puis, quand nous arrivons au studio, nous jouons les chansons une fois, puis nous les enregistrons. Donc, je pense que certaines chansons sont des premières prises, et la plupart sont des deuxièmes prises. Et ensuite, nous ne faisons rien de plus, parce que je veux qu'ils soient libres. Je joue avec eux pour cette raison.
Dans la production de tout processus, nous nous fondons en quelque sorte les uns sur les autres. J'ai quelques idées sur la façon dont cela va se passer, et Rob avait certaines choses qu'il voulait aussi. Mais j'avais vraiment le sentiment que nous pouvions le faire ensemble, tant que les musiciens restent fidèles à la vibration, ils peuvent sortir et faire ce qu'ils veulent. Le mot que je recherche est le mot confiance. J'ai une immense confiance en l'univers. C'est comme ça que je fais la production.
En quoi l'enregistrement de cet album est-il différent des précédents ? Quel processus avez-vous suivi ?
C'est une bonne question. Parce que c'est très différent. Si on prend mon premier album Peace Play, il parlait d'amour sous tous les angles. C'était des choses que j'avais ressenties et pensées jusqu'alors. Donc, c'était un énorme processus, je dirais. En fait, j'ai d'abord enregistré les chansons moi-même, et je les ai envoyées à un label qui a dit, oh, ouais, mais ce serait bien si on avait un groupe sur ce disque. Et j'étais tellement en colère parce que je pensais que c'était fini. Mais je suis reparti, et nous avons formé le groupe et nous avons fait cet album.
Le deuxième album a été un processus très long. Les chansons n'ont pas été écrites sur le moment, elles ont été écrites sur une longue période, avec le désir, la recherche, la découverte, la perte. Nous avons également joué les chansons plusieurs fois avant de les enregistrer. Je me suis concentré sur tout ce que je n'avais pas pu exprimer, comme ce qui se passe au-delà des sentiments, que l'on ne peut pas vraiment saisir tant qu'on ne s'est pas décidé à le faire. En fait, j'ai écrit des paroles dans la cabine de composition et j'ai cherché à exprimer ces sentiments. Je n'arrêtais pas de penser : « C'est maintenant, ça va arriver. Ça n'arrivera pas. » Je suis rentré chez moi pendant le déjeuner et j'ai écrit certaines choses. Et j'ai dû vraiment regarder la feuille. Je l'ai écrite et j'ai dû creuser profondément pour vraiment aller au cœur de ce qui se passait. Parfois, je ne comprenais pas vraiment ce que j'avais écrit. Donc, ce fut un processus beaucoup plus compliqué pour moi de faire cet album.
Et puis, en ce qui concerne cet album, c'était plus facile ? Est-ce que vous avez eu l'impression que Rob était là et qu'il y avait plus de soutien ?
Non, c'était un processus très fluide, parce que ce sont des musiciens très talentueux. Et ils sont très ouverts. Quand j'ai demandé à Rob de composer, je me suis dit : c'est là que je dois aller. Tout s'est passé très vite, en une ou deux prises et les paroles sont sorties. Mais j'avais le sentiment que lorsque je le faisais, c'était assez difficile pour moi de creuser et de creuser, vous savez, parce que je devais faire avancer ce processus. J'étais clair à l'intérieur de ce que je voulais, mais je n'avais pas beaucoup réfléchi. Mais maintenant, je creusais et réfléchissais tout en jouant et en faisant l'album, ce qui était assez épuisant pour moi. Une fois, je me suis vraiment mis en colère parce que je pensais qu'ils ne m'écoutaient pas. Et puis après, je leur ai vraiment parlé de ce dont j'avais besoin pour que cet album ou ce processus soit amusant. Parce qu'à un moment, j'ai senti que ce n'était pas amusant, parce que je devais creuser profondément et ils n'ont pas vraiment réalisé que c'était une contrainte pour moi. Il fallait que je prenne tout ça et que je l'oriente dans la bonne direction, car sinon cet album ne serait pas ce que je voulais qu'il soit, ce qui demande beaucoup d'énergie. Je suis une personne physique, j'ai besoin de poser ma main sur quelqu'un et de savoir qu'il est là. C'est donc un outil que j'utilise. J'avais besoin de beaucoup de contact, comme un contact visuel direct, pour savoir que nous créons ensemble. C'est peut-être un peu trop. Mais c'est comme ça que je l'ai fait.
À quoi ressemble la scène jazz suédoise ? À quelle scène participez-vous ?
Je pense que je suis impliqué dans une scène sympa. Mais encore une fois, je choisis exactement ce que je veux faire et je reste dans cette situation. Je pense que je ne sais peut-être pas comment cela se passe pour les plus jeunes. Mais je veux dire, les jeunes en général sont plus anxieux à propos de certaines choses. Et ça se voit dans la musique. Mais en Suède, il y a tellement de musiciens talentueux et on peut presque appeler n'importe qui et dire : « Hé, j'aime tes chansons, tu veux jouer ? » Et ils diront peut-être oui. Il n'y a pas beaucoup de règles concernant les personnes à appeler, mais je ne vais pas vers les gens qui pourraient dire non.
Est-ce que cela ressemble à un espace accueillant dans lequel entrer ?
Je dirais que c'est une scène accueillante, car il y a beaucoup d'organisations et de personnes qui travaillent très dur pour en faire une scène jazz ouverte et saine, physique, musicale et mentale pour tous. C'est une bonne chose. Je n'ai aucune idée de la façon dont fonctionnent les autres scènes de jazz, mais je sais qu'il y a des gens qui travaillent en coulisses pour en faire un espace accueillant et pour prendre soin des musiciens, pour leur donner une vie musicale. Il peut être difficile d'obtenir des réservations et des concerts, mais c'est parce qu'il y a tellement de musiciens incroyables et que tout le monde veut jouer. En Suède, nous avons actuellement un gouvernement qui n'est pas très sympa et qui réduit le secteur culturel. Tout récemment, il a supprimé une grande partie des financements destinés aux musiciens, ce qui nous a rendu la vie beaucoup plus difficile. C'est un énorme revers pour la culture.
Qu'avez-vous prévu pour le reste de cette année ?
Je vais commencer un projet de théâtre cet automne, nous y travaillons encore actuellement. Il s'agit de mon histoire, ce qui est vraiment passionnant car je n'ai jamais rien fait de tel. Nous commencerons à répéter et à mettre les choses en place cet automne. Et puis je prévois une tournée Adi Shakti avec ce groupe pour 2025. Je suis également en train de démarrer un projet en Inde en fait, et j'espère que nous irons jouer avec un groupe là-bas.
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